Midori unterstützt die UN-Initiative “Act Now” zur Förderung der Beteiligung an der Verwirklichung der Ziele für nachhaltige Entwicklung

Im Jahr 2015 haben sich 193 Länder mit der UNO auf einen gemeinsamen Aktionsplan geeinigt, um allen Menschen und unserem Planeten mehr Frieden und Wohlstand zu bringen. Die Staats- und Regierungschefs legten eine Frist für die Umsetzung der Ziele für nachhaltige Entwicklung (SDGs) bis 2030 fest.

Dieses Jahr -2023- markiert die Halbzeit auf dem Weg zur Verwirklichung der SDGs bis 2030. Doch die SDGs sind stark gefährdet. Klimakatastrophen, geschlechtsspezifische Ungleichheit, wirtschaftlicher Abschwung und die anhaltenden Auswirkungen einer globalen Pandemie bedrohen beispielsweise unsere Chance auf eine bessere Welt.

Die gute Nachricht? Die SDGs sind immer noch unser Weg aus der Krise. Wenn dieselben Staats- und Regierungschefs und ihre Nachfolger auf dem SDG-Gipfel im September in New York City eintreffen, müssen wir sie an ihre Verpflichtung erinnern. Auf halber Strecke können wir es uns nicht leisten, diesen Moment zu verlieren.

Midori hat sich mit einem Kreis von Unterstützern zusammengetan, zu denen auch ihre UN-Friedensbotschafter-Kollegen Prinzessin Haya, Daniel Barenboim, Michael Douglas, Jane Goodall, Yo-Yo Ma und Charlize Theron gehören, um einen Aufruf für unsere Zukunft zu verfassen und ihre Gemeinschaften dazu zu bewegen, individuelle Maßnahmen für die SDGs zu ergreifen, die öffentliche Debatte neu zu beleben und die Regierungen von der Dringlichkeit des Handelns zu überzeugen – mit der Initiative Act Now.

“Als Friedensbotschafterin inspiriert Midori weiterhin junge Menschen durch Musikunterricht, um ein Gemeinschaftsgefühl aufzubauen und das SDG 4 zu fördern, das eine qualitativ hochwertige Bildung für alle vorsieht, angetrieben von der Vision, dass Musik die Welt zu einem besseren Ort machen und die menschliche Erfahrung verbessern kann.”

Was sind die SDGs?

Midori wird zur künstlerischen Leiterin des Ravinia Steans Music Institute Piano & String Program ernannt

Ravinia hat bekannt gegeben, dass die renommierte Geigerin Midori zum künstlerischen Leiter des Piano & Strings-Programms des Ravinia Steans Music Institute ernannt wurde. Sie wird ab Herbst diesen Jahres mit der Leitung der Sommersaison 2024 beginnen. Midori wird Nachfolgerin der erfolgreichen Geigerin Miriam Fried, die diese Position seit 1994 innehatte, nach den Amtszeiten von Robert Mann (1988) und Walter Levin (1989-93).

Zu ihrer Ernennung sagte Midori: “Ich freue mich sehr darauf, in dieser neuen Funktion an RSMI beteiligt zu sein. Die Arbeit mit jungen Musikern ist ein zentraler Bestandteil meiner Karriere, und dieses Programm ist eines der wichtigsten seiner Art im Musikbereich. Es wurde in den letzten 30 Jahren von Miriam Fried geleitet, und ich fühle mich geehrt, ihr bemerkenswertes Erbe anzutreten, wenn ich das Programm in den kommenden Jahren weiterführe.”

Als künstlerische Leiterin von Piano & Strings wird Midori junge professionelle Geiger, Bratschisten, Cellisten, Pianisten und Mitglieder bereits bestehender Kammermusikgruppen durch intensive Proben und Coachings mit einigen der weltbesten Dozenten, darunter sie selbst, führen. Das Programm für Klavier und Streicher konzentriert sich auf die Interpretation und die Zusammenarbeit in kleinen Gruppen durch die Einübung und Aufführung des klassischen Sonaten- und Kammermusikrepertoires. Das Programm 2024 findet vom 23. Juni bis 24. Juli statt.

In enger Zusammenarbeit mit dem Ravinia Steans Music Institute wird Midori neue Wege finden, um junge Berufsmusiker, die ihre Erfahrung in Ravinia als einen entscheidenden Teil ihrer professionellen Musikkarriere als Interpreten, Pädagogen und künstlerische Leiter betrachten, anzusprechen und zu fördern.

Die Direktorin des RSMI, Alejandra Valarino Boyer, sagte über das nächste Kapitel des renommierten Piano & Strings Program: „Midoris anerkannte Kunstfertigkeit und ihr Engagement für die Musikausbildung machen sie zu einer hervorragenden Wahl für die Leitung des Piano & Strings Program. Ihre Erfahrungen als Künstlerin, Pädagogin und Verfechterin der Künste werden auf dem von Miriam Fried geschaffenen Erbe aufbauen, um die nächste Welle klassischer Musiker anzuleiten und zu betreuen. Wir fühlen uns geehrt, sie im Team von Ravinia und dem Steans Music Institute zu haben.

Midoris Ernennung erfolgt zu einem Zeitpunkt, an dem Fried sich darauf vorbereitet, die Stipendiaten des Klavier- und Streicherprogramms 2023 zu ihrem Aufenthalt vom 19. Juni bis 22. Juli zu begrüßen – Frieds 30. und letzte Saison als Leiterin des Programms. Während ihrer Amtszeit bildete Fried zahlreiche Absolventen des Programms aus, die eine herausragende, oft preisgekrönte Karriere gemacht haben und das Steans Music Institute und Fried als wesentlichen Bestandteil ihrer Ausbildung und ihres Erfolgs bezeichnen.

Ich möchte Midori auf das Herzlichste willkommen heißen. Neben ihrer Kunstfertigkeit, Weisheit und Integrität bringt sie ihre unendliche Leidenschaft für Musik und die Ausbildung junger Menschen mit. Das Steans Institute wird in wunderbaren Händen sein“, sagte Fried.

Erfahren Sie mehr über das Ravinia Steans Music Institute’s Program for Piano and Strings.

Für Midoris International Community Engagement Program in Laos und Japan bewerben

Midoris International Community Engagement Program (ICEP) sucht MusikerInnen für 2023 (Laos) und 2024 (Japan). Wenn Sie ViolinistIn, BratschistIn oder CellistIn im Alter zwischen 20 und 29 Jahren sind und ein starkes Interesse an gemeinnützigen Aktivitäten haben, möchten Sie sich vielleicht für das ICEP im Dezember 2023 in Laos und im Juni 2024 in Japan bewerben.

In einem Auswahlverfahren wird für jedes Instrument ein/e InstrumentalistIn ausgewählt, der zusammen mit Midori ein Quartett bildet, das Auftritte in Schulen, Waisenhäusern, Krankenhäusern und verschiedenen anderen Einrichtungen für Jugendliche und ältere Menschen anbieten wird. Seit 2006 hat Midori ICEPs in Kambodscha, Indonesien, der Mongolei, Laos, Bangladesch, Myanmar, Nepal, Indien und Vietnam geleitet.

Weitere Informationen über das International Community Engagement Program hier. Details zur Bewerbung hier. Die Bewerbungsfrist ist am 31. Mai 2023.

Studierende des afghanischen Nationalen Musikinstituts und des Konservatoriums Calouste Gulbenkian nehmen an Midoris “International Orchestra Residencies Program” teil

Midoris jüngste Veranstaltung im Rahmen des “International Orchestra Residencies Program” (ORP) fand Ende Februar und Anfang März 2023 in Braga, Portugal, in Zusammenarbeit mit dem Konservatorium Calouste Gulbenkian statt. Seit 2022 beherbergt das Konservatorium das Afghanistan National Institute of Music (ANIM), dessen Studierende und Dozenten nach der Machtübernahme durch die Taliban im Jahr 2021 evakuiert wurden. Die Taliban verboten das nicht-religiöse Musizieren im Land, übernahmen die ANIM-Schule und zerstörten die Instrumente der Musikstudenten.

Nach zwei Wochen intensiver Arbeit mit Midori gaben die Studierenden des Konservatoriums und des afghanischen Jugendorchesters am 5. März ein Konzert. Der bewegende Dokumentarfilm “Symphony of Courage” erzählt die Geschichte von ANIM und davon, wie es den Schülern und Lehrkräften gelang, das Land zu verlassen, um ihre Musikausbildung fortzusetzen und ihre Musik in einer freien Gesellschaft aufzuführen.

Hier können Sie den Bericht des UN Information Centre lesen sowie ein Interview mit Midori schauen

Anmerkungen zu Sonaten und Partiten für Violine solo ohne Bass von J. S. Bach

Im Jahre 1720 ist Johann Sebastian Bach Kapellmeister am Hof des Fürsten Leopold von Anhalt-Cöthen. Als Musiker in der frühen Mitte seiner Karriere und eher als Organist denn als Komponist bekannt, beschäftigte sich Bach während seines sechsjährigen Aufenthalts in Cöthen mit der Komposition einiger seiner wichtigsten Instrumentalwerke (und nicht mit den religiösen Vokalkompositionen, die seine Arbeit an anderen Orten in solcher Fülle verlangte), während er gleichzeitig die üblichen Aufgaben eines Musikdirektors an einem weltlichen Hof erfüllte – spielen, proben, aufführen und dirigieren – und seine Führungsrolle als oberster Musiker der Stadt wahrnahm. Diese Zeit, die er in einer relativ kleinen Stadt verbrachte (die Jahrhunderte später Teil der DDR wurde und heute etwa 30.000 Einwohner zählt, deren einziger Ruhm die “Bach-Rabilia” ist), muss ihm ein gutes Gleichgewicht zwischen Familienleben und Arbeit ermöglicht haben, und innerhalb letzterer die Flexibilität, ohne die regelmäßige Notwendigkeit, für Gottesdienste zu schreiben.

Über die Geschichte der Kompositionen, die aus dieser Zeit stammen sollen, wie die Soloviolinsonaten und -partiten sowie die Cellosuiten, wissen wir wenig. Es ist anzunehmen, dass sie in Cöthen, wahrscheinlich am Hof, von einem der Hofmusiker uraufgeführt wurden. Es ist aber auch möglich, dass Bach die Soloviolinsonaten und -partiten selbst uraufgeführt hat, auch wenn er diese Werke stattdessen auf einem Tasteninstrument gespielt haben mag. Es ist bekannt und von seinem Sohn Carl Philipp Emanuel anschaulich dokumentiert, dass Bach selbst ein guter Geiger war. Der Reichtum und die Fülle ihrer Harmonien ließen sich jedoch viel erfolgreicher und leichter auf einem Tasteninstrument als auf einer Violine ausführen, um ihre maximale Wirkung zu erzielen.

Es gibt keinerlei Aufzeichnungen darüber, in welchem Zusammenhang die Werke für Solovioline entstanden sind oder in welcher Reihenfolge sie komponiert wurden, und moderne Überlegungen darüber, ob und wie sie in den Cöthener Jahren aufgeführt wurden, sind reine Spekulation. Während wir davon ausgehen, dass sie in Cöthen komponiert wurden, gibt es Grund zu der Annahme, dass Bach diese Werke bereits an seinem vorherigen Arbeitsplatz in Weimar vorbereitet hatte und dass er sie 1720 zu einer einheitlichen Sammlung von sechs Werken zusammenstellte. Im Gegensatz zu den Cello-Suiten existiert das Manuskript-Autograph dieser Stücke von Bachs eigener Hand – schön und elegant sowie akribisch – und es erinnert diesen Autor an ein weiteres Beispiel göttlich inspirierter Kunst, deren Herrlichkeit die Fähigkeiten einer bloß sterblichen Seele zu übersteigen scheint, nämlich Caravaggios großes Gemälde, in dem der Engel den heiligen Matthäus führt und instruiert.

Man muss sich fragen, woher Bachs Inspiration kam und wie er sich gefühlt haben muss, nachdem er ein solch brillantes Werk vollendet hatte. Diese Stücke sind monumentale Errungenschaften. Sie sind natürlich kompositorische Meisterwerke, aber neben Bachs brillanten Innovationen haben sie eine bemerkenswerte Wirkung auf jeden Spieler und Zuhörer. Beim ersten Hören kann der Hörer von der Zeitlosigkeit, wie das scheinbar zeitgemäße Gefühl jedes dieser Werke völlig ergriffen sein, und beim Üben verliert man sich im Vergehen der Zeit. Aus kompositorischer Sicht hat die Beherrschung des Kontrapunkts und des thematischen Schreibens ihr Geheimnis nicht verloren; die Perfektion der angewandten Kompositionstechniken hat den Lauf der Zeit überdauert. Aus allen Blickwinkeln betrachtet, stellen diese Werke einen Höhepunkt kompositorischer Leistung dar. Es handelt sich um Musik, die jedem Zuhörer und Interpreten ein intensives Erlebnis bietet, das nicht wiederholbar ist und die völlige Hingabe an die Musik und das Wirken eines so transzendenten Geistes erfordert.

Diese Kompositionen stellen enorme organisatorische Anforderungen an den Musiker, der eine Vielzahl von Stimmen, Linien, Melodien und Kontrapunkten ausführen und dabei den Charakter und die Eindrücke der Musik vermitteln muss. Auf den ersten Blick ist Bachs einzelne Linie einfach, doch wenn sie mehrstimmig vorgetragen wird, ergeben sich komplexe Zusammenhänge, und es wird zur größten Herausforderung, die verschiedenen Linien gleichzeitig wiederzugeben und dabei die ihnen zugrunde liegende Einfachheit zu bewahren. Der Interpret muss die Anordnung der linken und der rechten Hand sorgfältig bedenken und daran denken, sowohl das Ineinandergreifen der musikalischen Linien als auch ihre Unabhängigkeit voneinander unverfälscht darzustellen. Die gleichzeitige Unabhängigkeit und Abhängigkeit der Linien voneinander ist der Kern dieser Werke. In dem Maße, in dem sich ein Interpret bemüht, die Linien zu vereinfachen und zu ordnen, werden seine Ohren und Finger geschärft und trainiert, um Beziehungen zwischen Noten, Linien, Stimmen und Abschnitten darzustellen, die sowohl kohärent als auch kontrastreich sein können. In Anbetracht des Reichtums der Bachschen Harmonik und ihrer Reinheit wird höchste Intonationsgenauigkeit verlangt, und alles, was darunter liegt, stört eklatant. Die Geschmeidigkeit der melodischen Linie erfordert die Beherrschung der Technik der rechten Hand und die vollständige Kontrolle über ihre Ausführung. Diese Musik erfordert mehr als nur die Beherrschung höchster technischer Fertigkeiten; sie verlangt von einem Spieler die gleichzeitige Koordination vieler Elemente, die er mit Fingerspitzengefühl und scheinbarer Leichtigkeit handhabt. Und obendrein muss diese technische Virtuosität den künstlerischen Prioritäten weitgehend untergeordnet werden.

Diese Stücke stellen auch zahlreiche interpretatorische Herausforderungen an einen Musiker. Die wichtigste Frage ist die nach dem Stil. Einst herrschte eine romantische Lesart dieser Werke vor, bei der Rubato, breites Vibrato und “fleischige” Akkordausführungen ein wesentliches Element der Interpretationen vieler Musiker waren. Einige der frühesten erhaltenen Aufnahmen der gesamten Reihe werden in dieser Weise aufgeführt. Seit dem Wiederaufleben der Popularität und des Einflusses von Darbietungen Alter Musik geht der Trend vielleicht in Richtung von Aufführungen, die mehr dem entsprechen, was wir als den vorherrschenden Stil zu Bachs Lebzeiten verstehen. Einige Musiker gehen so weit, dass sie auf Instrumenten spielen, die denen der Barockzeit ähneln, während andere nur den Barockbogen verwenden, während sie auf “modernen” Instrumenten spielen, oder Darmsaiten verwenden, aber mit einer “normalen” oder “modernen” Stimmung. Es gibt auch Musiker, die keine sichtbaren Veränderungen an ihrem Instrumentarium vornehmen, aber dennoch in Richtung eines Klangs und einer Interpretation tendieren, die näher an den Darbietungen historischer Instrumente sind, und das Instrument so handhaben, als ob sie eine historische Geige spielen würden. Es gibt nicht den einen “richtigen” Weg, diese Musik zu spielen – Überzeugung ist der Schlüssel. Es stellt sich auch die Frage, welche Prioritäten gesetzt werden sollen, welche Elemente dieser umfangreichen Musik in den Vordergrund gerückt werden sollen (wobei diese Entscheidungen sowohl technischer als auch künstlerischer Natur sind). Aufgrund der vielen Elemente der Musik, der Vielzahl der Linien und der anspruchsvollen Harmonie und Rhythmik muss ein Musiker zu bestimmten Zeiten einem bestimmten Element den Vorrang geben. Für jeden Interpreten gibt es viele Entscheidungen, die sowohl bei der Planung als auch in “Echtzeit” während der tatsächlichen Aufführung getroffen werden müssen. Auf diese Fragen gibt es nicht die eine oder andere “richtige” Antwort, aber sie müssen von jedem einzelnen Musiker erkannt, gelernt und verinnerlicht werden. Letztendlich muss jeder Musiker eine wohlüberlegte Entscheidung treffen. In Wahrheit scheint es dem Interpreten am wichtigsten zu sein, diese Musik ehrlich in den Kontext des Lebens des Musikers zu stellen.

Letztendlich handelt es sich um einige der schönsten Stücke, die je geschrieben wurden. Es sind Werke, die mit Leidenschaft und nicht mit Angst gespielt werden müssen, die mit Hoffnung und nicht mit Enttäuschung und Hass, mit Bewunderung und Respekt empfunden werden können. Sie müssen verehrt und mit einem Gefühl der Liebe zu ihren Geheimnissen und ihrer Herrlichkeit gespielt werden, und nicht, weil eine gewisse Korrektheit verlangt wird. Es ist eine Musik, die Mitgefühl hervorruft und die Fähigkeit hat, den tiefsten und innersten Kern der Seele eines jeden Menschen zu erreichen. Es ist eine Musik, die auf die Individualität jedes Spielers eingeht und sein Innenleben auf eine Art und Weise widerspiegelt, die bei einem anderen Menschen einen Akkord des Wiedererkennens hervorruft und sowohl dem Musiker als auch dem Zuhörer die musikalischen Mittel für eine vertiefte Selbstbetrachtung gibt. In diesem Sinne entspringt jede Interpretation in ihren Elementen, die über eine erlernte Ästhetik und akademische Präsentation hinausgehen, dem Leben selbst, was bedeutet, dass jede Aufführung dieser Werke immer anders sein wird, dass sich Schwerpunkte und Färbungen und “Bedeutungen” ständig ändern. Dies ist in der Tat eine lebendige Musik, die mit dem Lauf des Lebens einhergeht.

Bei solch einer lebensverändernden Leistung sprechen die Menschen oft von “göttlicher” Inspiration, als ob das Werk ein direktes Produkt göttlicher Weisung wäre. Dennoch handelt es sich um Musik von menschlicher Dimension. Bach hatte ganz normale Emotionen, denn wir wissen um seine Frustrationen in manchen beruflichen Situationen, und wenn wir seine große Familie kennen, können wir uns vorstellen, welche Anforderungen ein solches Leben an den Mann stellte. Er schrieb die Sonaten und Partiten für Solovioline in einer Stadt ohne besonderen Anspruch, und sie werden seither von und für Menschen gespielt. Doch inmitten all dieser Normalität liegt die demütige Schönheit dieser Musik, ein Geschenk, das wir dankbar annehmen.

©Midori Goto, 2017

Midoris Wintergruß

Aus Respekt vor und in Solidarität mit denjenigen, die sich Trost wünschen und brauchen, haben mein guter Freund Charles Danziger und ich den folgenden Videogruß gestaltet — Midori

 

 

 

Midori erhält den Brahms-Preis

(Above photo ©Andreas Guballa)

   

Midori wurde 2020 mit dem Brahms-Preis der Brahms-Gesellschaft Schleswig-Holstein ausgezeichnet, die 20. August 2022 in der St. Bartholomäus-Kirche in Wesselburren statt. Die Jury ehrte Midori für ihre international gefeierten Interpretationen der Werke von Johannes Brahms sowie für ihre Förderung des künstlerischen Nachwuchses und ihr besonderes Engagement im Sinne der Menschlichkeit für kulturfördernde Projekte, nicht zuletzt als UN-Friedensbotschafterin. Der Preis ist mit 10.000 Euro dotiert.

 

Im Rahmen der Preisverleihung spielte Midori ein Programm mit Solowerken von J.S. Bach, Jessie Montgomery und John Zorn.

 

Der erste Preisträger des Brahms-Preises war Leonard Bernstein im Jahr 1988. Weitere Preisträger waren Yehudi Menuhin, Dietrich Fischer-Dieskau, Sabine Meyer, Thomas Quasthoff, Christoph Eschenbach und der Thomanerchor.

Japan ICEP concert returns on June 16th following pandemic break

Three years after the last International Community Engagement Program (ICEP) took place in Japan, Oji Hall in Tokyo will be the site of a concert by the ICEP quartet, consisting of violinists Midori and Yebin Yoo, violist Erika Gray and cellist Noémie Raymond-Friset.

The musicians will also visit schools, hospitals and nursing homes in Japan, as they have traditionally done in June each year.

The Oji Hall program, taking place on June 16th will feature performances of Rachmaninov’s String Quartet No. 1 in G minor and Ravel’s String Quartet in F Major as well as a report on recent Music Sharing activities. Music Sharing is the non-profit organization under whose aegis the International Community Engagement Program has taken place since 2006.

For more information on the concert, please look on the facebook page.  More information on ICEP can be found here.

 

Midori nimmt am 23. Mai am “Konzert für die Ukraine” in der Carnegie Hall teil

 

Zu den Teilnehmern gehören der Sänger Michael Feinstein, der Geiger Itzhak Perlman, der Pianist Evgeny Kissin, die Sopranistin Angel Blue und eine Reihe führender Stars aus Klassik, Jazz, Oper und Broadway sowie der ukrainische Chor Dumka of New York, ein Ensemble, das sich auf weltliche und geistliche Musik aus der Ukraine spezialisiert hat.

Der Erlös geht zu 100 % an Direct Relief, eine gemeinnützige humanitäre Hilfsorganisation, die dringend benötigte medizinische Hilfsgüter an Hilfsorganisationen vor Ort in der Ukraine liefert.

Weitere Informationen finden Sie auf der Carnegie Hall website.

 

Erstmals in Person und live wieder beim ORP

Anfang Mai war es soweit: Midori konnte ihr erstes Live-Orchestra Residencies Program (ORP) nach der Schließung von Artis – Naples in Florida abhalten.

Das 2004 gegründete ORP ist ein gemeinsames Musik- und Bildungsprojekt, bei dem Midori mit Jugendorchestern zusammenarbeitet, um der nächsten Generation von Musikern und Musikliebhabern sinnvolle Erfahrungen zu bieten. Während der Covid-Pandemie bot sie Online-Meisterkurse und Workshops an, als Reisen und Live-Auftritte nicht möglich waren.

Midoris Artis-Aufenthalt in Neapel beinhaltete eine intensive Arbeit mit dem Philharmonischen Jugendorchester Neapel und der Philharmonischen Jugendsinfonie Neapel. Sie probte mit beiden Ensembles, unterrichtete Kammermusik, gab Workshops und leitete vier Tage lang Meisterklassen. Außerdem hielt sie Präsentationen an mehreren örtlichen Schulen.

Zum Abschluss des Aufenthalts bei Artis – Naples spielte Midori mit dem Naples Philharmonic Youth Orchestra und dem Naples Philharmonic Youth Symphonia unter der Leitung von Radu Paponiu und Gregg Anderson ein Programm mit Spring Cadenzas, einem Auftragswerk des amerikanischen Komponisten Derek Bermel, das speziell für Midoris Residenzprogramm für Orchester geschrieben wurde, und dem dritten Satz von Mendelssohns Violinkonzert in e-Moll.